Gilda (1946)

Gilda es una película de 1946 dirigida por Charles Vidor y protagonizada por Rita Hayworth y Glenn Ford. 

Charles Vidor fue un director de cine de origen húngaro cuyas películas a destacar son Gilda (1946) y Adiós a las armas (1957) basada en la novela homónima de Ernest Hemingway y protagonizada por Rock Hudson. Volvería a trabajar con el dúo Hayworth-Ford en 1948 con Los amores de Carmen.

En 1924 da el salto a los EEUU, trabajando en algunos musicales de Broadway y en la compañía Ópera de Wagner británica. Concluida esa etapa viaja a Hollywood donde comienza colaborando con el director británico Alexander Korda.

 

En 1931 se le da la oportunidad de dirigir su primer largometraje con la MGM. En 1933 ya como asalariado de la MGM rodaría su primera película en solitario. 

En 1939 rompe su compromiso con la MGM y firma un contrato con la Columbia Pictures. Es en esta etapa donde su carrera despega y goza de prestigio en el mundo cinematográfico. De esta etapa cabe destacar Gilda (1946). En 1948, tras dirigir a Rita Hayworth y Glenn Ford de nuevo en Los amores de Carmen, Charles Vidor tuvo una gran disputa que hizo que su contrato de 750.000 dólares con la Columbia se rompiera para volver a la MGM en 1949.

En 1956 funda su propia productora, Aurora Productions que no llegó a prosperar debido al repentino ataque al corazón que sufrió el director y que acabó con su vida.

 

Rita Hayworth cuyo nombre original era Margarita Carmen Cansino Haworth, era hijo de un bailarín español de ascendencia judío sefardí y de una bailarina de revista de origen irlandés e inglés. La pequeña Margarita creció en Brooklyn, en una familia con escasos recursos económicos donde la pequeña no fue motivada a ir a la escuela. Lo importante era conseguir dinero, así que comenzó a bailar junto a su padre desde los 4 hasta los 13 años. 

Tras el crack del 29, la familia de Margarita estaba más arruinada por lo que el padre decidió resucitar a su antiguo grupo de baile: The Dancing Cansinos cuya mayor estrella era la joven.

Rita Hayworth reconocería años después: "No me hacía mucha gracia", confesó ella más tarde, "pero no tuve el coraje de decírselo a mi padre y empecé a recibir clases. Ensayar, ensayar y ensayar, esa fue mi adolescencia".

No era lo único que le disgustaba a Rita de su padre, que la prohibía llamarlo papá en público. A padre e hija siempre los tomaban por marido y mujer. Cuando el padre bebía (cosa que hacía con mucha frecuencia) pegaba a su pequeña intentando no dejarle marcas visibles. Acostumbraba a encerrarla en su camerino durante los descansos de sus actuaciones y la protegía de los hombres porque la quería solo para él.

Solían actuar en Tijuana (México) donde el padre, esperando conseguir un buen contrato, dejaba ir a su pequeña con los peces gordos del mundo del espectáculo. Fue allí donde ocurrió el milagro y un ejecutivo de la Fox la contrató como la nueva belleza hispánica que sucedería a Dolores del Río, actuando en pequeños papeles.

Su suerte cambió cuando la Fox se convirtió en la Twentieth Century. El nuevo magnate, el legendario Darryl Zanuck, pretendió ejercer su derecho de pernada sobre su actriz (algo usual y aceptado en el Hollywood clásico) y al negarse ésta, la despidió. 

Todo parecía perdido cuando hizo su oportuna aparición Edward Judson, personaje habitual de la vida nocturna de la ciudad, que se casaría con ella en 1937. Fue el quien transformó a Margarita Cansino en Rita Hayworth. Cambió su apellido paterno (para hacerlo más yanqui) por el de su madre, Haworth. Al que añadió una “y” para diferenciarlo del tío de esta que también hacía sus  pinitos en el mundo de la interpretación. La hizo adelgazar, teñirse el pelo de pelirrojo e hizo retroceder (con electrólisis) el nacimiento de su pelo, próximo a las cejas, para despejarle la frente y resaltar sus ojos. Le elegía la ropa, hablaba por ella, iban a los locales de moda juntos y siempre estaban dispuestos para hacer reportajes.

Fue él quien consiguió un contrato para su esposa en la Columbia que necesita urgentemente estrellas importantes. Fue Rita Hayworth quién colocó a la Columbia entre las primeras compañías cinematográficas, reportando a la empresa muchísimos beneficios. No es de extrañar que su amigo Frank Sinatra dijera: “Rita Hayworth es la Columbia”.

Su primer papel fue como secundaria en la película de Howard Hawks: Solo los ángeles tienen alas (1939). Película protagonizada por Cary Grant.

Más tarde ingresó en la Twentieth Century Fox (donde años antes no había sido aceptada) y con la película Sangre y arena (1941), alcanzó el puesto de sex-symbol indiscutible durante toda una década. Además de convertirse en unas de la estrellas más influentes y una de las actrices mejor pagadas de la época. 

En los años posteriores destacan sus interpretaciones con números de baile con Fred Astaire y Gene Kelly.

Es en 1946 donde le llega el mayor éxito internacional y con su interpretación en Gilda consigue ser una de los mitos del séptimo arte. Se trata de la una de las grandes películas del cine negro y sus dos escenas: cuando Gilda se quita el guante mientras canta Put he blame on Mame y la escena de la bofetada de Glenn Ford.

La fotografía de Rita, recortada de las revistas, había acompañado a las tropas americanas en todos los frentes durante la Segunda Guerra Mundial y, al volver a casa, los soldados llenaron las salas de cine para ver a su ídolo en movimiento. Era tan famosa que el avión que lanzó la bomba nuclear experimental sobre las islas Bikini llevaba su imagen pintada en el morro; algo que molestó mucho a la actriz. Además se convirtió en “la Diosa del amor”.

A partir de ese momento se impuso la moda Gilda. Vestidos con escote sin hombros y tacones con tiras cruzadas como lucía la actriz en la película. Se había convertido en el mito erótico de todos los hombres de la época por eso Rita Hayworth decía: «Todos los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo».

En 1947 protagoniza con Orson Welles, se esposo desede 1943 hasta 1948, La dama se Shangai. En su día el film fue maldito pero resultó de enorme transcendencia. El público no aceptó ver a una Hayworth rubia con el pelo corto, que interpretaba a una arpía y moría al final de la película. Sin embargo forma parte de su mitología en el cine por su narrativa, estética y ritmo. La misma Hayworth declaró: “sabía que estábamos haciendo un clásico mientras la rodábamos».

Con Orson Welles tuvo una hija, Rebecca, que él nodeseaba. Rita Hayworth confesó a su marido sus dos mayores secretos: Su padre abusaba de ella cuando era una niña y aborrecía ser actriz. Orson Welles declaraba que “era mucho más guapa sin maquillaje”.

El actor se había enamorado de ella cuando en 1941 fue portada de la Revista LIFE. Cuando se conocieron ella tenía miedo de no estar a la altura de él. Welles contaba con la fama de ser un hombre inteligente y ella ni siquiera había ido al colegio.

En 1948 debido a las infidelidades del director el matrimonio conocido como “La bella y el cerebro llegó a su fin”.

Se casó en 1949 con el Príncipe Alí Khan (que en un futuro tendría un romance con Grace Kelly). Hayworth deseaba dejar atrás el mundo de Hollywood y conseguir de una vez la felicidad que tanto anhelaba. No fue así. Embarazada antes del matrimonio, creyó encontrar en su marido todo lo que deseaba para tener un matrimonio perfecto, una vida perfecta y un padre perfecto para su futura hija.

Se convirtió en alteza porque "Alí hizo posible su huida de Hollywood" según Orson Welles. También afirmó: "Su verdadero atractivo residía en que, gracias a él, Rita dejó de ser Rita Hayworth para convertirse en princesa consorte"

Harry Cohn, tiránico jefe de la Columbia que controló toda su carrera, la acosó durante años, obsesionado porque no accedía a sus pretensiones sexuales. En revancha, el magnate, que ganó millones con sus películas, la sometió a las mayores vejaciones. Por ejemplo, cuando ella entraba en su despacho, él iba al baño adjunto y orinaba sin molestarse en cerrar la puerta. Además, la obligaba a fichar todos los días, instaló micrófonos en su camerino y la hacía espiar todo el tiempo. No es extraño que Cohn fuera uno de los invitados de honor que excusó su presencia en la boda de Rita con Ali Kahn, el tercer matrimonio de la actriz, la más importante que tuvo jamás la Columbia. El productor no quiso pasar por el trago de tener que llamarla alteza, título que correspondía a su nuevo estado. La ilusión de la recién casada de no volver a ver al hombre que la acosaba ni pisar un estudio de cine duró poco.

El Príncipe era infiel a la mujer más deseada del mundo. Abandonaba a la mujer más bella del mundo para hacer nuevas conquistas. Según se dice, podía mantener la erección sin eyacular durante horas, gracias a las técnicas aprendidas en los burdeles egipcios.

Tras su divorcio, en 1953, Rita Hayworth entró en una espiral de destrucción, que incluyó dos matrimonios más, con Dick Haymes y James Hill-que abusaron de ella, obligándola a seguir trabajando, para vivir a su costa. Hubo también muchos amantes, algunos con acento español, en sus escapadas a nuestro país; como el conde de Villapadierna y, según se dijo, con Paco Gento, el jugador del Real Madrid. 

Durante las primeras fases de su enfermedad, alzheimar, la gente en Hollywood pensaba que tenía problemas con el alcohol. Incluso el propio Sinatra, le hacía crueles chantajes, a los que la actriz combatía con barbitúricos por miedo a la mafía. 

El mito Rita Hayworth se extinguió una fría mañana de invierno de 1976 en el aeropuerto londinense de Heathrow, cuando el mundo esperaba a la diosa del amor de los 40 y del avión sólo descendió una mujer irreconocible, envejecida, desaliñada, ausente y muy asustada. A Margarita Cansino le aguardaba aún un calvario de 11 años más, destruida por el mal de Alzheimer, antes de alcanzar la paz. 

Nunca fue nominada a un Oscar aunque entregó el Premio a la Mejor Dirección de 1964, antes de tener problemas de memoria. Cuando empezó a tener la enfermedad, estuvo un tiempo viviendo en Argentina (se pensaba que el clima era beneficioso para paliar la enfermedad). Murió un 14 de mayo de 1987, Glenn Ford fue uno de los portadores de su féretro.

 

Glenn Ford nació en Canadá pero debido al trabajo de su padre se traslada con su familia a EEUU a la edad de ocho años. 

Con 19 años debuta en el teatro y poco después rueda con la 20th Century Fox su primera película. Después firma con la Columbia un contrato, donde rodará unas 50 películas en apenas 18 años. En esta etapa actúa en una serie de westerns de bajo presupuesto. En 1946 alcanza la fama internacional con Rita Hayworth por su interpretación en Gilda.

El intento de repetir un éxito igual o mayor de la pareja fue un desastre. En 1959 pasa a ser parte de la plantilla de la MGM. Donde destaca su interpretación en Los cuatros jinetes del apocalipsis (1962) de Vicente Minelli. (Adaptación de la novela homónima de Vicente Blasco Ibáñez)

Nunca consiguió un Oscar pero sí un Globo de Oro por su interpretación en la comedia Un gánster para un milagro (1961).

Casado en cuatro ocasiones mantuvo largos romances con: Rita Hayworth, Joan Crawford, Brigitte Bardot, Debbie Reynolds o Judy Garland.

Además era mantuvo una gran relación de amistad con Rita Hayworth. Era considerado por sus amigos como un verdadero y gran amigo, y mantuvo un amplio número de amistades a lo largo de su vida como el matrimonio Reagan o Frank Sinatra.

Argumento:

Johnny Farrel (Glenn Ford) viaja a Buenos Aires donde se dedica a hacer trampas en el juego. Durante una partida nocturna conoce a un tal Ballin Mundson. El tal Ballin, propietario de un casino, saca a Johnny de un aprieto y decide darle un cargo en el casino. 

A partir de ese momento, Johnny Farrel pasa a ser un hombre de confianza de Mundson hasta que un día aparece Gilda (Rita Hayworth), la mujer de Mundson.

Ambos se conocen de antes y Johhny recuerda que fue ella quien lo empujó a acabar de esa forma.

Curiosidades:

Uno de los mejores comienzos con un primer plano en el suelo de unos dados.

Se cuenta que en la escena donde Rita Hayworth le da dos bofetones a Glenn Ford, ella puso tanto ímpetu que le hizo saltar dos dientes y Glenn Ford aguantó hasta que el director dijo ¡corten!

Tanto la canción Put the blame on Mame y Amado mío, no están cantadas por la protagonista. Rita Hayworth hace un playback, la voz real es de la cantante canadiense, Anita Ellis.

Glenn Ford recibió el Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián en 1987 (poco tiempo después de que su compañera de reparto falleciera). Eligió que Gilda se proyectara entre todas sus películas. El actor tuvo que abandonar la sala porque se puso a llorar al recordad a Rita Hayworth.

Según Glenn Ford, él y su compañero de reparto George MacReady (Bally Mundson) tuvieron que interpretar a dos homosexuales. 

Se cree que Johnny Farrell y Bally Mundson eran homosexuales ya que ambos frecuentaban zonas oscuras a altas horas de la noche. Al comienzo de la película ambos están en un muelle a altas zonas de la madrugada. De esta forma se vería a Gilda como una persona que se entromete en la relación de ambos.

El bastón también es considerado como un símbolo fálico y como una metáfora de la condición sexual de los dos varones. Mundson pregunta a Johnny que su bastón es su mejor amigo ya que habla cuando tiene que hablar y calla cuando tiene que callar. Además le pregunta a Johnny que no tiene sexo y que si prefiere que sea masculino o femenino. Farrel contesta que masculino porque así da menos problemas.

La escena del baile y cuando Gilda se quita un guante fue vista por la iglesia y la censura del franquismo como un striptease. Se suprimió esa escena. También se pintó encima del traje de Gilda para cubrirle los  hombros.

Los letreros comerciales fueron rociados con pintura roja para que no se viese a la actriz en pose sugerente o enseñando más de lo que debía.

La frase promocional de la película era “nunca hubo una mujer como Gilda”.

La aparición de Rita Hayworth levantando la cabeza y sacudiendo el cabello hacía atrás es una de las más famosas del cine y un gesto propio de la actriz.

La foto que se ve de Glenn Ford de pequeño se trata de su hijo.

La película abrió el primer Festival de Cannes.

Rita Hayworth hacía poco que había dado a luz a su hija por lo que tuvo que usar una faja para disimular su figura.


La canción "Put the blame on Mame" ocupa el puesto 84 de las 100 mejores canciones de películas según el American Film Institute (AFI).

Frases de la película:

“Si fuera un rancho me llamarían tierra de nadie”.

“Con tanta gente, se siente uno solo. ¿Verdad?”

 Rita Hayworth en Gilda.

Tener y no tener (1944)

To have and have not es una película de 1944 dirigida por Howard Hawks y protagonizada por Humphrey Bogart y Lauren Bacall. Se trata de la adaptación cinematográfica de la novela homónima del escritor ganador del Pulitzer en 1953 por su novela El viejo y el mar; y Premio Nobel en 1954 por su obra completa, Ernest Hemingway.

La novela fue publicada en EEUU en 1937 cuando Hemingway estaba en Madrid como corresponsal de guerra apoyando la causa republicana. Las críticas al libro no fueron favorables. Aún así el número de ventas alcanzó los 25.000 ejemplares, un récord que fue destacado en la revista Time.  

Tiempo después, el director Howard Hawks desafió a su amigo, Hemingway diciendo que: “Podría hacer una buena película de tu mejor novela, por ejemplo, Tener y no tener”. El escritor no aceptó ya que reconocía que no había puesto el empeño necesario para que la obra compitiese con las otras novelas suyas. Explicó que la había escrito porque atravesaba una mala situación económica.

Transcurrido algún tiempo, Hemingway volvió a necesitar dinero y recordando la antigua apuesta de su amigo, Howard Hawks aceptó el trato. Howard Hawks compró los derechos para el cine  y puso en marcha la producción, financiada por Warner Bros.

En un primer momento el director había contratado al guionista Jules Furthman. Pero el guionista decidió hacer una historia tan fiel al libro que fue rechazado. 

Otro inconveniente fue la censura. Los productores pensaban que la censura de la época no vería con buenos ojos una película que tratara de un expatriado estadounidense que se había hecho contrabandista de ron entre La Habana y Cayo west, además de un protector de revolucionarios. Como la Warner necesita dinero del gobierno de los EEUU para financiar las películas de guerra, prefirió no meterse en líos. Por miedo a provocar un enfrentamiento entre EEUU y Cuba, la Warner decidió cambiar ligeramente la profesión del protagonista y la historia.

Howard Hawks no se retiró del proyecto y ante el cambio de guión decidió llamar a William Faulkner (ganador en 1949 del Premio Nobel de literatura en 1949 y del Premio Pulitzer en 1955 y 1963) para que reformara el guión entero. Faulkner conocido como el eterno estilístico de Hemingway (sus largas frases contrastaban con las cortas de Hemingway) colaboró elaborando el guión junto al escritor de la novela.

Al contrario de lo que se pensaba, ambos se llevaron bien mientras trabajaban juntos. Especialmente cuando se reunieron en Cuba en el barco de Hemingway, donde abundaron los puros y el ron. Tener y no tener cuenta con ser la única película escrita por dos ganadores del Premio Nobel de literatura.

Se cambió el escenario original por la Martinica (sugerencia de Faulkner) así se evitarían problemas entre Cuba y EEUU. La Martinica era una colonia francesa y como Francia estaba bajo el Gobierno de Vichy durante la Segunda Guerra Mundial, podían incluir a personajes exiliados.

Al principio se consideró que la película se parecería considerablemente a Casablanca (1942). En ambas películas trabajaba Humphrey Bogart, y en ambas interpretaba a un expatriado norteamericano ajeno a la política que solo quería que su negocio siguiera prosperando. En ambas películas, la mayor parte de la acción se desarrolla en un bar, y por si fuera poco, ambas tienen a un pianista que interviene de forma importante.

 

Howard Hawks, es considerado por los críticos franceses como uno de los m´s importantes directores del cine clásico. Antes de esta consideración, Hawks, no era muy conocido a pesar de contar con películas de la talla de: La fiera de mi niña (1938) con Cary Grant y Katharine Hepburn, Sólo los ángeles tienen alas (1939), Luna nueva (1949), Me siento rejuvenecer (1952) (todas estas protagonizadas por Cary Grant), El sargento York (1941) con Gary Copper, Río Rojo (1948) con John Wayne y Montgomery Clift, Río bravo (1959) con John Wayne y Dean Martin o Los caballeros las prefieren rubias (1953) con Marilyn Monroe.

Durante su carrera realizó cerca de 50 películas, trabajando todos los géneros y dejando siempre su estilo sencillo. Decía: “Nunca empleo engaños. Cuento mis historias de la forma más simple, como las vería cualquiera, emplazando la cámara a la altura de la mierda del hombre”.

Durante la Primera Guerra Mundial participó como piloto y se ganó la vida como piloto de carreras. Se inició en el mundo del cine elaborando diferentes tareas hasta que en 1925 firmó un contrato con William Fox. Su primera película como director fue Camino de la gloria (1926) y su carrera continuó hasta 1976, año en el que se retiró del mundo del cine con su película Río Lobo. Nunca ganó un Oscar y solamente estuvo nominado al Premio de la Academia en una ocasión. Una en 1946 por su película El sargento York. En 1975 ganó un Oscar honorífico por el conjunto de su carrera.

Humphrey Bogart nació en una familia acomodada de Nueva York. Hijo de un dentista y una artista gráfica, el joven Bogart decidió estudiar medicina en la Universidad de Yale, pero al ser expulsado por rebeldía, decidió decantarse por el mundo de la interpretación. Gracias a su amigo William Brady, hijo del productor de teatro, William A. Brady, Humphrey Bogart se interesó por el mundo de la interpretación.

Se alistó en la Marina para combatir en la Primera Guerra Mundial. En 1918 el barco done se encontraba fue atacado por submarinos y un torpedo lo alcanzó. Un fragmento astillado saltó  y rasgó la boca de Bogart, afectándole para siempre su forma de hablar.

A la vuelta de la Primera Guerra Mundial, Bogart fue administrador en la compañía cinematográfica y de teatro World Film Corporation de su amigo, William Brandy. Su aspecto físico, bajito y robusto, y su forma de hablar no correspondían al prototipo de galán de la época dorada de Hollywood. Desde 1922 hasta 1935 hizo pequeñas interpretaciones en teatros y pequeñas películas. Tres vidas de mujer (1932) fue la película que le sacó del anonimato. Humphrey Bogart fue un actor de Serie B con actuaciones en 40 películas hasta 1936. Con su interpretación en El bosque petrificado que le supuso el reconocimiento de la crítica y el público. 

Los éxitos obtenidos con: El último refugio (1941) de Raoul Walsh, El halcón maltés (1941) de John Huston y Casablanca (1942) de Michael Curtiz. Durante los 11 primeros años de su carrero, desbancó a actores como: James Cagney, George Raft o Edward G. Robinson.

En 1947 firmó un contrato con la Warner Bros que le permitía elegir a elegir a los directores y guiones, además de cobrar 200.000 dólares al año. Creó además su propia compañía productora, Santana Pictures.

Casado en cuatro ocasiones, conoce a la que sería su cuarta esposa y última, Lauren Bacall, en esta película. Trabajaría con ella en tres ocasiones más en: El sueño eterno (1946), La senda tenebrosa (1947) y Cayo Largo (1948). 

Nominado en tres ocasiones al Oscar por sus interpretaciones como Mejor Actor en: Casablanca (1942), La reina de África (1951) y El motín de Caine en (1955). Ganó el Oscar por su papel en La reina de África junto a Katherine Hepburn. Está considerado por el American Film Institute como el Mejor Actor de todos los tiempos.

Conocido, a pesar de declararse en una entrevista como anticomunista, por su lucha contra las acusaciones a sus compañeros por parte del Comité de Actividades Antiamericanas.

Fundador del primer Rat Pack en los años 50, murió a la temprana edad de 57 años a causa de un cáncer de esófago.

Lauren Bacall debutó en esta película con tan solo 19 años. Nacida como Betty Joan Perske en el Bronx, pertenecía a una familia judía de escasos recursos. Estudió arte dramático y desde pequeña aprendió a no dar pasos en falso. Cuando protagoniza la portada de Harper’s Bazzar, la vida de Bacall cambia completamente. Fue reclamada por la Columbia por parte de David O’Selznick (productor de Lo que el viento se llevó (1939) y Howard Hughes. A pesar de la oferta, la joven se lo pensó antes de dar un paso en falso.

Su debut se produce magistralmente con Tener y no tener (1944) y de la noche a la mañana se convierte en una estrella de Hollywood. Trabajó cuatro veces con su marido Humphrey Bogart de quien enviudó en 1957. Tuvo dos hijos con Humphrey Bogart y le guardó el luto hasta 1961, año en el que se casa con Jason Robards. Con este actor tuvo un hijo, y en 1969 se separa de él.

A finales de los 50 comprendió que Hollywood no le iba a otorgar grandes papeles con los que ella soñaba y sin abandonar el cine, volvió al mundo del teatro. Donde ganó dos Tonys.

La aparición de Lauren Bacall apoyada en el umbral de la puerta encendiendo un cigarrillo con un fosforo es una de las mejores apariciones del séptimo arte y digno de mencionar.

Curiosidades:

Howard Hawks dijo sobre Humphrey Bogart: “Se enamoró del personaje que ella interpretaba, así que tuvo que seguir interpretándolo el resto de su vida”

Físicamente eran muy diferentes. Decía de sí mismo Bogart que “tenía una fealdad viril”. Cuando conoció a Ball, Bogart ya contaba con 45 años. Debido a su baja estatura utilizaba calzas, llevaba sombrero para ocultar su calvicie. Además tenía una cicatriz en el labio que le impedía hablar de forma normal. Lauren Bacall era la antítesis. Era joven, alta, delgada, tenía un porte y estilo natural. Cuando Bogart ya tenía tres divorcios en su haber, Bacall todavía no había comenzado en el terreno de las relaciones.

Aunque Bogart interpretaba en sus papeles a un tipo duro, fue criado en una familia donde “un beso se convertía en todo un acontecimiento”. Deseaba llevar un vida familiar y tranquila, al lado de su esposa e hijos. Lauren Bacall decidió espaciar sus apariciones en el cine y cumplió el deseo de su marido.

A pesar de sus diferencias físicas, ambos tenían una voz ronca y fuerte. Se conoce como el síndrome Bogart-Bacall a la fatiga de la voz, ronquera o dolor de garganta y que se produce entre personas, generalmente actores cuando se fuerza la voz para imitar su estilo que curiosamente era natural. Además compartían la misma ideología apoyando a sus colegas acusados de comunistas.

La frase mítica de la película es la que dice Lauren Bacall a Humphrey Bogart: “Conmigo no tienes que fingir. No tienes que decir nada. Si me necesitas, silba. ¿Sabes silbar, no? Juntas los labios y soplas”.

El día de su boda, Bogart regaló a Bacall un silbato de oro, con una frase grabada al dorso: “Si me necesitas, silba”. Cuentan que el día del entierro de Bogart, en su ataúd junto a su cuerpo fue depositado un silbato de oro.

Argumento:

Harry (Humphrey Bogart) un expatriado estadounidense trabaja en la isla de La Martinica donde trabaja acompañando a turistas ricos a hacer excursiones. Siempre acompañado por su amigo borracho, Walter (Eddie Brennan). Cuando Francia cae bajo el poder de Alemania, Harry decide no involucrarse en la causa revolucionaria. 

En el hotel, conoce a una joven llamada Marie (Lauren Bacall) que ha abandonado su casa y está atrapada en la isla al no tener dinero para comprar un pasaje de vuelta. Con el fin de ayudar a Marie, decide ayudar a los partidarios de De Gaulle para ayudar a Marie. 

Tras ayudar al líder francés, se produce un enfrentamiento con la guardia costera. Esto obligará a Harry a abandonar la isla y cambiar de vida.

La frase que viene a continuación, ocupa el puesto número  34 de las 100 mejores frases de películas según el American Film Institute (AFI).

Frase de la Película:

"Si me necesitas, silba". Lauren Bacall en Tener y no tener.

Atrapa a un ladrón (1955)

To catch a Thief es una película de 1955 dirigida por Alfred Hitchcock y protagonizada por Cary Grant y Grace Kelly. La película fue nominada a tres Premios de la Academia: Mejor dirección artística, Mejor Vestuario y Mejor fotografía en color. Ganado el Oscar por Mejor fotografía en color.

Alfred Hitchcock dirige a Cary Grant por tercera vez en su carrera. Ya lo había hecho en 1941 con Suspición película protagonizada junto a Joan Fontaine y en 1946 con Encadenados, protagonizada junto a Ingrid Bergman. Volvería a dirigirlo en 1959 en Con la muerte en los talones.

Atrapa un ladrón es una de las películas más conocidas del director junto a: La Ventana Indiscreta (1954), Vértigo (1958), Con la muerte en los talones (1959), Psicosis (1960) o Los pájaros (1963). Para gran parte del público aficionado a las obras llenas de suspense y con guiones muy elaborados del director inglés, y para parte de los críticos, Atrapa a un Ladrón es considerada como una obra menor en la filmografía de Hitchcock.

Ese mismo año, en 1955, Alfred Hitchcock dirigiría Pero… ¿quién mató a Harry? que daría a conocer a una joven llamada Shirley MacLaine. Si Elia Kazan, el llamado director de actores, descubrió a grandes actores como James Dean, Marlon Brando, Elli Wallach, Eva Marie Saint, Lee Remick e incluso al hermano de Shirley MacLaine, Warren Beatty; Alfred Hitchcock descubrió a la eterna Irma la Dulce (1963) o a la Señorita Kubelik de El apartamento (1960).

Famoso por sus cameos, Alfred Hitchcock aparece en el minuto 10 de la película. Lo podemos ver sentado al lado de Cary Grant en el autobús. El director británico comentó en una ocasión a François Truffaut que sus cameos al principio los hacía cuando la película ya llevaba un tiempo transcurrida pero como la gente ponía más empeño en buscar su cameo en la película que en el argumento, Hitchcock empezó a hacer sus cameos durante los primeros minutos.

Cary Grant es el actor junto a James Stewart que más veces ha trabajado con Alfred Hitchcock. Ambos han colaborado con el británico en cuatro películas respectivamente.

El cine no fue justo con este gran actor que a pesar de estar nominado dos veces a los Premios de la Academia en la categoría de Mejor Actor por: Serenata Nostálgica (1944) y Un corazón en peligro (1944), nunca recibió un Oscar. En 1969, ya retirado del mundo de la interpretación, recibió un Oscar Honorífico por toda su trayectoria profesional.

A lo largo de sus 34 años de carrera cinematográfica, Cary Grant ha trabajado con las actrices más importantes de la época dorada de Hollywood y con algunos mitos del séptimo Arte. Entre las actrices que ha trabajado cabe destacar a Marlene Dietrich en La Venus rubia (1932), Katharine Hepburn en Historias de Filadelfia (1940), Ingrid Bergman en Encadenados (1946), Marilyn Monroe en Me siento rejuvenecer (1962), Deborah Kerr en La mujer soñada (1953), Grace Kelly en Atrapa a un ladrón (1955), Sophia Loren en Orgullo y pasión (1957), Doris Day en Suave como un visón (1962) o Audrey Hepburn en Charada (1963).

Katharine Hepburn ha sido la actriz que más veces ha trabajado con Cary grant. Han colaborado juntos en cuatro películas: La gran aventura de Silvia (1935), Vivir para gozar (1938), La fiera de mi niña (1938) e Historias de Filadelfia (1940).

Conocido por su belleza y elegancia, Cary Grant abandonó el mundo de la interpretación en 1966 tras protagonizar Apartamento para tres.

Grace Kelly es la protagonista femenina de esta película. Grace nació en Filadelfia en el seno de una familia acomodada de origen irlandés y católica.

Aunque su familia se opuso a que fuera actriz, Grace Kelly decidió mudarse a Nueva York y cursar estudios de interpretación en la Academia Nacional de Arte Dramático.

En 1949 consiguió su primer papel en Broadway y también hizo unas breves apariciones en la televisión, hasta que se trasladó a Los Ángeles para probar suerte en el mundo del cine.

En 1951, consigue un papel en la película Catorce Horas. Gracias a este papel las agencias de cine se fijaron en ella y su siguiente película sería Solo ante el peligro (1952) dirigida por Fred Zinnemann y protagonizada por Gary Cooper.

En 1953 trabaja junto a Clark Gable y Ava Gadner en Mogambo, formando parte del triángulo amoroso. Esta interpretación supone su primera nominación al Oscar.

En 1954 gana su primer y único Oscar pos su interpretación en La angustia de vivir (1954). En esta película actúa junto a Willian Holden que interpreta a su marido y a Bing Crosby.

En 1948, Ingrid Bergman deja de ser la rubia de Hitchcock para someterse a las órdenes de su marido y director Roberto Rossellini. Después de despotricar contra la sueca encuentra en 1954 a su nueva musa rubia. Grace Kelly trabajaría con Alfred Hitchcock en tres ocasiones: Crimen perfecto (1954), La ventana indiscreta (1954) y Atrapa a un ladrón (1955).

Atrapa a un ladrón está rodada en la Costa Azul y fue allí donde Grace conoció a quién sería su marido, el Príncipe Rainiero de Mónaco. Rainiero era un fiel seguidor de la actriz, sus allegados cuentan como iba al cine cada vez que estrenaban una película de la actriz. Siempre venía contento y diciendo lo guapa que estaba y lo bien que actuaba.

Durante el rodaje, el príncipe pidió si podía reunirse en privado con la actriz. Grace accedió y ambos se conocieron en una entrevista privada de treinta minutos. Tras el rodaje, Grace volvió a los EEUU con su familia. Nadie sabía que había ocurrido en el Palacio de Mónaco. El Príncipe Rainiero efectuaba viajes secretos a los EEUU para visitar a su amada y los recibos telefónicos llegaban a cifras desorbitadas.

En 1956 Grace se compromete con el Príncipe de Mónaco e inicia un viaje de un mes a bordo de un barco como despedida de su familia. El 19 de abril de 1956 se convierte en La princesa de Mónaco.

La carrera cinematográfica de Grace Kelly duró cinco años, desde 1951 hasta 1956. Debido a su nueva profesión como Princesa de Mónaco, Grace abandonó el mundo del cine dejando once películas donde podemos verla actuar.

Durante su etapa en Hollywood, Grace Kelly tuvo amantes como: J.F Kennedy, Frank Sinatra, Clark Gable, William Holden, Gary Cooper, Tony Curtis, Cary Grant, Bing Crosby, Fred Zinnemann, Ray Milland.

A los tres meses de la boda, Rainiero descubrió que el matrimonio no conducía a ninguna parte por lo que decidió reunirse con antiguas amantes. Grace Kelly decidió hacer lo mismo. Frank Sinatra, Marlon Brando y David Niven fueron algunos de sus amantes. Grace tenía un piso compartido con Sinatra en Cap Ferrat. Y David Niven le duró toda la vida como amante.

Decía de ella Hitchcock: “Era una verdadera dama que se transformaba en prostituta en el dormitorio”.

Curiosidades:

Cuando Cary Grant y Grace Kelly quedan para hacer un picnic, ella decide conducir el descapotable. Cary Grant se agarra donde y como puede al coche debido a la manera de conducir de Grace. Esa secuencia está grabada en una corniche. Y fue allí donde Grace Tuvo el accidente automovilístico con su hija pequeña Estefanía en 1982 que supuso la muerte de la Princesa.

En la escena del picnic, Grace va ataviada con un vestido. Este vestido fue motivo de disputa ya que la diseñadora dela Paramount, Edith Head, le diseñó un traje de pantalón. La diseñadora dijo que para ir de picnic lo más cómodo y práctico era llevar un pantalón y una blusa. Grace contestó tajantemente: o había vestido o no había escena. Edith Head tuvo que apañárselas para diseñar un vestido cómodo y apropiado para hacer un picnic.

Argumento:

John Robie "El Gato" (Cary Grant) es un ladrón de joyas reformado que vive tranquilamente en su villa de la Costa Azul. Tras el robo en un lujoso hotel de unas joyas, “El Gato” se convierte en el principal sospechoso.

Tratando de defender su inocencia John Robie conoce a Frances (Grace Kelly) una rica heredera que veranea con su madre. John ve la oportunidad perfecta de desenmascarar al verdadero ladrón utilizando las joyas de la familia de Frances como señuelo.

Frase de la película:

“He estado esperando todo el día a que mencione usted el beso que le di anoche”. Grace Kelly en Atrapa a un ladrón.

Un tranvía llamado deseo (1951)

 

A Streetcar named Desire es una película de 1951 dirigida por Elia Kazan y protagonizada por Vivien Leigh y Marlon Brando. La película fue nominada a 12 premios Oscar, ganando cuatro de ellas: Mejor actriz, Mejor actor secundario, Mejor actriz secundario y Mejor dirección artística. Recibió el Premio en el Festival de Venecia a la Mejor Actriz y el Premio Especial del Jurado, además de ser valorada por el Círculo de críticos de Nueva York como Mejor película. 

La película se basa en la obra teatral clásica del dramaturgo estadounidense Tenesse Williams. Está considerada como su obra maestra y ganó en 1948 el Premio Pulitzer en la categoría de Drama.


Un tranvía llamado ocupa el puesto número 47 en la lista de las 100 mejores películas de todos los tiempos hecha por el American Film Insitute (AFI)

 

Elia Kazan fundador en 1947 junto con a Cheryl Crawford y Robert Lewis del Actor’s Studio, escuela de arte dramático que ha dado grandes actores como Marlon Brando, Paul Newman, Anne Bancroft, James Dean, Montgomery Clift, Sidney Poitier, Anthony Quinn, Dustin Hoffman, Marilyn Monroe, Steve Mcqueen o Jon Voight. 

Es conocido como director de actores ya que fue él quien ha dado a conocer a algunos mitos del séptimo arte. Es el caso de James Dean con Al este del Edén (1955), Marlon Brando con Un tranvía llamado deseo (1951), Elli Wallach con Baby Doll (1956), Warren Beatty con Esplendor en la hierba (1961), Eva Marie Saint con La ley del silencio (1954) o Lee Remick con Un rostro en la multitud (1957).

A lo largo de su carrera consiguió ganar dos Oscar como director por La barrera invisible (1947) y La ley del silencio (1954), además de recibir un Oscar Honorífico a su trayectoria profesional en 1999. Durante la época del Marcarthismo y la Caza de Brujas, Elia Kazan, a pesar de su origen griego colaboró abiertamente con el pensamiento del Senador y sirvió de chivato para gente de McCarthy. Al igual que Walt Disney. 

En el lado opuesto se encontraban los actores que defendían la libertad y estaban en contra de esa persecución ideológica que atentaba contra los derechos civiles: Humphrey Bogart y su mujer Lauren Bacall, Gregory Peck, Katherine Hepburn, Orson Welles, John Huston, Gene Kelly o Burt Lancaster. Actores como Gary Cooper, Ronald Reagan y Robert Taylor, comulgaban con las ideas anticomunistas del gobierno y colaboraban con el Comité denunciando a cineastas y actores, además de elaborar discursos patrióticos anticomunistas. 

Por estas razones, cuando a Elia Kazan le entregan el Oscar Honorífico en 1999, gran número de actores, directores y demás personas relacionadas con el mundo del cine se negaron a aplaudirle.

 

Marlon Brando, adolescente conflictivo cursó interpretación en el Actor’s Studio impulsado por conseguir una forma con la que ganarse la vida y dejar atrás su mal comportamiento.

En 1944 consiguió su primer papel en Broadway y su actuación fue alabada por la crítica. En 1947 consigue el papel protagonista en otra obra de Broadway, Un tranvía llamado deseo, que se representaría desde 1947 hasta 1949. En 1951 volvería a interpretar a Stanley Kowalski bajo la dirección de Elia Kazan, como en su día hizo en Broadway. A partir de esta interpretación la carrera del joven Marlon Brando, que supondría su primera nominación al Oscar, se dispara. También se dispararon las ventas de camisetas interiores blancas ya que en la mayor parte de la película, Brando aparece con esta prenda.

Actuando con su aspecto de tipo duro y rebelde, trabajaría bajo la dirección de Elia Kazan en dos películas más: ¡Viva Zapata! (1952) que le supondría su segunda nominación al Oscar y la Ley del silencio (1954) con la que conseguiría su primer Oscar. 

Nominado ocho veces a los Oscar por sus interpretaciones, Marlon Brando, cuenta con dos Premios de la Academia en su haber. El primero lo ganó con La Ley del silencio (1954) película que interpreta junto a Eva Marie Saint (Con la muerte en los talones (1959)) y su segundo Premio, por su inolvidable interpretación de Vito Corleone en El padrino (1972).

En la gala de los Oscar de 1973 se negó a recibir el Premio y fue Sacheen Littlefeather, nativa americana y activista, quien recogió el Premio por el actor. Marlon Brando no fue a la gala como protesta ante la situación social del pueblo indio y afroamericano.

A partir de los años setenta su carrera comienza a decaer al mismo tiempo que su estado físico. Actor conflictivo dentro y fuera de la pantalla fue acusado por sus ex mujeres de egocentrista, celoso, infiel e incluso de ser un bisexual reprimido. Esta última sentencia fue reconocida por Marlon Brando.

Casado en tres ocasiones y con once hijos en su haber (que se sepan), mantuvo romances con Ava Gadner, Grace Kelly, Ingrid Bergman, Jackie Kennedy o Rita Haywoorth.  Conoció a Marilyn Monroe en un bar de Hollywood cuando todavía él era un desconocido y ella Norma Jean. Marlon Brando le ofreció 15$ por subir a su apartamento y la rubia aceptó sin protestas. Mantuvo un romance con la cantante francesa Edith Piaf, al no conseguir a otra francesa, Briggite Bardot. Cuando el pequeño gorrión le cantó su canción más emblemática (La vie en rose) por teléfono el joven Brando quedó sorprendido y prendado por su hermosa voz.

Pero decir que Marlon Brando solo se dedicaba a las mujeres sería contar una verdad a medias. Tyrone Power, Laurence Olivier o Montgomery Clift son algunos de los hombres que han pasado por sus sábanas.

 

Vivien Leigh ganó su segundo Oscar por su interpretación de Blanche DuBois en esta película. Leigh demostró  su gusto y don por la interpretación a una edad muy temprana y tuvo que aprender a ocultar sus manos mientras actuaba debido a su gran tamaño. En 1937 conoce a Sir Laurence Olivier, el que se convertiría en su marido tres años después, mientras rodaban juntos Inglaterra en llamas (1937). 

Vivien Leigh es recordada por su magistral interpretación de Scarlett O’Hara junto a Clark Gable en Lo que el viento se llevó (1939). Esta interpretación le supuso su primer Oscar y el reconocimiento mundial. Mucho se ha hablado de cómo consiguió el papel, unos apuntan que fue su marido quien movió sus hilos en Hollywood para que su mujer lograra hacerse con el papel, otros dicen que fue George Cukor (co-director de la película) quien vio en ella el magnetismo y magia que necesitaba su interpretación y otros, simplemente apuntan que fue el destino quien unió a Vivien y Scarlett. 

A pesar del reconocimiento que le proporcionó la película, Vivien prefería el teatro al cine, además Laurence Olivier la presionaba para que no actuase ya que el actor pensaba que su mujer lo eclipsaría. En 1951 regresa con Un tranvía llamado deseo, por su interpretación ganaría su segundo y último Oscar de su carrera.

Aunque en la obra de Broadway el personaje de Blanche DuBois no era interpretado por Vivien, el director se empeñó en contratar a la actriz. Aprovechando un viaje a EEUU de la actriz, Elia Kazan y Laurence Olivier consiguieron convencerla.

En esta película interpreta a una madura soltera infeliz que parece vivir en otra realidad. El personaje de Blanche Dubois es exagerado, le gusta rociarse con perfume, tomar baños con el agua muy caliente, alardear de su educación y vestidos, y flirtear con hombres. Blanche es una persona que sufre un trastorno de personalidad bipolar y Laurence Olivier declaró en sus memorias que había mucho de Vivien en Blanche. Laurence Olivier sabía el daño que podía hacer la interpretación de su esposa en el film, en su vida real. Efectivamente, el daño fue claro. Después de acabar de rodar la película, Vivien se levantaba en la madrugada con la cara empolvada y recitaba los monólogos como si no distinguiese la realidad de la ficción.


Vivien Leigh fue el gran amor de Laurence Olivier, el día de su prematura muerte, el que fuese su marido permaneció junto a ella “pidiéndose perdón por todo el daño que se habían hecho”.

 

Argumento:

Blanche DuBois (Vivien Leigh) viaja a Nueva Orleans para visitar a su hermana y al novia de esta, Stanley Kowalski (marlon Brando). Al llegar a la ciudad descubre que para llegar a la casa de su hermana debe coger un tranvía llamado deseo. 

Se reúne con su hermana y descubre que el ambiente y el marido con el que vive, no son los adecuados para una dama como ella. Stanley es un polaco bruto y rudo que se dedica a beber y a jugar a las cartas. En medio de ese ambiente, Blanche tiene que darle una noticia a su hermana. Ha vendido las tierras de sus familiares debido a los impagos. 

A partir de ese momento la relación entre Stanley y la hermana de Blanche empeora, y Blanche deja ver cada vez más claro su estado mental y físico para nada saludables.

 

Película recomendada para todos los amantes de las obras de Tenesse Williams o de las geniales actuaciones de Marlon Brando y Vivien Leigh.

Frase de la película:

“Siempre he creído en la bondad de los extraños” Vivien Leigh en Un tranvía llamado deseo.