Cayo Largo (1948)

Key Largo es una película de 1948 dirigida por John Huston y protagonizada por Humphrey Bogart y Lauren Bacall. La película ganó un Oscar por la interpretación de la secundaria: Claire Trevor.

John Huston ganador en dos ocasiones del Premio de la Academia. Uno como Mejor director por El tesoro de Sierra Madre (1948) y otro como Mejor Guion adaptado por la misma película.

Orson Welles dijo de él que su vida era mucho más interesante que sus películas, y razón no le falta. Borracho, boxeador, pescador, periodista, jinete o vividor han sido algunas de las actividades de este señor, catalogado como uno de los Mejores cineastas del siglo XX.

Nacido en una familia de actores, con 3 años ya acompañaba a su padre en los escenarios. Pronto abandonó la interpretación y se dedicó al boxeo, deporte que abandonaría para alistarse en la caballería. Según cuenta la leyenda, el mismo Huston combatió al ejército de Pancho Villa durante la Revolución mexicana.

En 1932, con la ayuda de su padre firma un contrato como guionista con la Universal. Poco después, harto de su nuevo trabajo, escapa a Europa donde vive errante entre Londres y París.

Regresa a EEUU y entre 1938-1941 firma algunos guiones como Jezabel (1938), El último refugio (1941) o El sargento York (1941).

En 1941 dirige su ópera prima El halcón maltés (1941), obra que encumbra a Humphrey Bogart y al cine negro.

Su carrera estuvo plagada de éxitos pero también de fracasos. Su carrera como su vida, se caracterizó por las irregularidades.

La amistad entre John Huston y Humphrey Bogart ha proporcionado siete películas a la historia del cine. Estos dos hombres; borrachines y vividores realizaron esta película en el momento álgido de su carrera.

Humphrey Bogart cobraba desde 1946, 467361$ al año del estudio Warner y además, elegía sus guiones y directores.

La película se rodó poco tiempo después de El tesoro de Sierra Madre y ambas películas coincidieron en la ceremonia de los Oscar de 1949.

Rodada durante la época de “la caza de brujas”, John Huston fue acusado de “ser el cerebro del Partido Comunista del Oeste”. El director viajó a Washington junto con 19 actores, directores, productores y guionistas (entre los que se encontraban el matrimonio Bogart-Bacall) para prestar declaración y defenderse de aquellas declaraciones. Huston nunca fue llamado a declarar ante el juez.

John Huston viajó con su mujer al Hotel Largo para empezar a rodar la película. El hotel era propiedad de un irlandés que consciente de la duración de la producción decidió instalar mesas de juego para que los actores se relajaran durante los descansos.

Esa fue la perdición de Huston y el guionista, Richard Brooks. Este último llegó a perder su sueldo de la película (8000$), aunque finalmente llegó a recuperarlo.

En una conversación, Huston preguntó si alguien sabía lo que era la Inmaculada Concepción. Nadie lo tenía claro así que le preguntaron al dueño del hotel, que además de irlandés era católico. Huston sumó su deuda a la de Brooks y apostó 48000$ a que el irlandés no lo sabía.

El irlandés contestó: “Cristo nació sin pecado”. Huston que sabía perfectamente la respuesta, telefoneó a Miami para preguntar a un sacerdote. Este contestó la respuesta correcta: “María nació sin pecado”. El dueño del hotel les dio el dinero en fichas de póker, y director y productor recuperaron el dinero.

Argumento:

Frank McCloud (Humphrey Bogart) es un veterano de la Segunda Guerra Mundial que viaja hasta Cayo Largo para reunirse con el padre y mujer (Lauren Bacall) de un compañero muerto en combate.

El padre y la mujer regentan un hotel custodiado por una banda de gánster que esperan a que pase la tormenta para llevar un barco hacía Cuba.

El jefe es ni más ni menos que Johnny Rocco (Edward G. Robinson) el gánster más peligroso. Pronto los invitados serán tomados como rehenes.

Curiosidades:

En un principio Frank McCloud iba a ser veterano en la Guerra Civil española como narra la novela.

Charles Boyer iba a ser Johnny Rocco pero Jack Warner lo vetó ya que Boyer era considerado como “veneno para la taquilla”.

El nombre del barco “Santana” es el nombre del yate de Bogart y de la compañía cinematográfica que fundaría años después.

Cuarta y última película que rodaron juntos el matrimonio Bogart-Bacall.

Frase de la película:

“Puede que el mundo esté podrido, Frank, pero una causa no está perdida mientras alguien esté dispuesto a seguir luchando”.

Lauren Bacall en Cayo Largo.

Bullit (1968)

Bullit es una película de 1968 dirigida por Peter Yates y protagonizada por Steve McQueen y  Jacqueline Bisset. La película fue nominada a dos Premios de la Academia: Mejor sonido y Mejor montaje, ganando el Oscar en esta última categoría.

La película tuvo que competir en los Oscar con: Oliver, Funny girl, El león en invierno, 2001: una odisea en el espacio. Y con otra película protagonizada por Steve McQueen, El caso de Thomas Crown, esta vez al lado de Faye Dunaway (Bonnie y Clyde (1967)).

Peter Yates fue un director y productor de cine británico.

Hijo de un oficial del ejército, comenzó su carrera cinematográfica en la década de los 40. Después fue piloto de carreras de coche y administrador del piloto de fórmula uno, Stirling Moss.

A partir de 1958 comienza su trabajo como ayudante de dirección, donde cabe destacar su colaboración con J. Lee Thompson en Los cañones de Navarone (1961) protagonizada por Gregory Peck.

En la década de los 60 comienza su etapa como director donde cabe destacar: Bullit (1968) con Steve McQuenn, John y Mary (1969) con Dustin Hoffman y Mia Farrow, La guerra de Murphy (1971) con Peter O’Toole, Un diamante al rojo vivo (1972) con Robert Redford o ¿Qué diablos pasa aquí? (1974) Con Barbra Streisand.

Nominado en cuatro ocasiones al Oscar (dos como director y dos como productor) nunca consiguió la estatuilla.

Steve McQueen, conocido como el “Rey del cool” fue un actor estadounidense conocido por no utilizar dobles en las escenas de acción debido a su pasión por la adrenalina.

Su infancia estuvo marcada por el abandono de su padre, el joven McQueen nunca llegó a conocer a su progenitor. Creció en casa de su tío, y a los 12 años debido a la rebeldía del actor, fue enviado a Los Ángeles donde vivía su madre. Dos años más tarde fue enviado a un reformatorio.

Con apenas 17 años, en 1947, abandona el reformatorio y se alista en los Marines. Cinco años después, el actor se enteró de que el Estado proporcionaba dinero a aquellos militares que se incorporasen a la vida corriente, así que el joven McQueen se decantó por la interpretación ingresando en el famoso Actor’s Studio de Nueva York.

En 1955 consigue su primer papel en Broadway y un año más tarde comienza su carrera en el cine interpretando papeles secundarios. En 1958 protagoniza La masa devoradora (1958) y durante dos años protagonizó una serie de televisión con la que ganó buenas críticas.

En 1960 protagoniza un capítulo de la serie de Alfred Hitchcock Presenta.

La fama internacional le llega en 1963 al protagonizar La gran evasión (1963). Nominado al Oscar en 1966 por El Yang-tsé en llamas (1966), nunca ganó ninguno a lo largo se su carrera.

En su filmografía cabe destacar: Papillon (1973) al lado de Dustin Hoffman o El coloso en llamas (1974) al lado de Willian Holden y Paul Newman.

Aficionado a la velocidad, coches y motos pensó en dejar el mundo de la interpretación para dedicarse a ser piloto de carreras. Su imagen siempre irá asociada a la moto Triumph que conduce en La gran evasión (1963) o al Ford Mustang GT-390 que conduce por las calles de San Francisco en Bullit (1968).

Casado en tres ocasiones, su segunda esposa fue Ali MacGraw (Love story (1970)) a la que conoció mientras rodaban juntos La huida (1972).

Fue amigo personal de Bruce Lee.

Estuvo en la lista negra de la secta de Charles Manson, La familia. Cuando se enteró que Sharon Tate, esposa de Roman Polanski, fue asesinada y que él podía ser el siguiente de la lista, se compró una pistola que llevaría siempre consigo.

Steve McQueen murió con apenas 50 años en Ciudad Juárez, México, debido a un cáncer de pulmón. Murió el hombre, nació el mito.

Jacqueline Bisset es una actriz inglesa. Comenzó en el mundo de la interpretación con pequeños papeles: Dos en la carretera (1967) de Stanley Donen.

Durante su carrera ha trabajado con: Roman Polanski en Callejón sin salida (1966), John Huston en El juez de la horca (1972) al lado de Paul Newman, François Truffaut en La noche americana (1973) o George Cukor en Ricas y famosas (1981).

Sipnosis:

Un ambicioso político encarga al Teniente de policía de San Francisco, Frank Bullit (Steve McQueen), la misión de proteger a un testigo que es perseguido por el Sindicato del Crimen de Chicago.

A pesar de la vigilancia del teniente Bullit y el cuerpo de policía, el testigo es asesinado. Se desencadena sí una trama más complicada que pondrá a prueba al Teniente Bullit.

Curiosidades:

Steve McQueen basó su personaje en el de David Toschi, inspector de la policía de Sanfrancisco. McQueen lleva la funda del arma en el hombro al igual que el personaje real.

En un principio parte de la persecución se iba a realizar en el puente Golden Gate pero la comisión municipal no permitió cerrar el tráfico para que se rodara allí la escena.

La escena de la persecución es una de las más famosas del séptimo arte.

Dos Mustangs y dos Dodge fueron necesarios para filmar la famosa escena. Ambos coches fueron modificados para que alcanzaran más velocidad.

Bud Ekins es quien conduce el Mustang durante la escena, también dobló a McQueen en La gran evasión (1963) cuando la moto Triumph tiene que saltar.

El director quería que los coches corriesen a una velocidad de 75/80 Km/h pero los coches alcanzaron velocidades superiores a 110 Km/h.

La secuencia se grabó en tres semanas y en la película dura 9 minutos 42 segundos.

En 2001, Ford sacó al mercado una edición limitada de Ford Mustang GT “Bullit”.

Frase de la película:

“Pensaba que a los artistas no les importaba el dinero". Steve McQueen en Bullit.

Historias de Filadelfia (1940)

The Philadelphia story es una película de 1940 dirigida por George Cukor y protagonizada por Katharine Hepburn, Cary Grant y James Stewart. La película fue nominada a seis Premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Director, Mejor actriz. Mejor actriz de reparto, Mejor actor y Mejor guion adaptado. La película consiguió dos Oscars al mejor actor para James Stewart y al Mejor guion adaptado.

La película tuvo que competir con Rebeca (1940) (la primera película de Alfred Hitchcock en EEUU) y Las uvas de la ira (1940) de John Ford.

Historias de Filadelfia ocupa el puesto número 44 de las 100 mejores películas de todos los tiempos, en una lista elaborada por el American Film Institute (AFI).

George Cukor, el llamado director de actrices por descubrir a grandes talentos femeninos del Hollywood clásico, tuvo como musa a Katharine Hepburn.

Estuvo a punto de ser el director de la mítica película: Lo que el viento se llevó (1939) protagonizada por Vivien Leigh y Clark Gable, pero un conjunto de circunstancias hicieron que Cukor no dirigiera el clásico. Aunque llegó a ensayar con las actrices para la película, tras un cambio de guion, Cukor no se sentía cómodo en el proyecto. Además a Clark Gable le molestaba la abierta homosexualidad de George Cukor, que aunque era discreto con su sexualidad era conocida por todo Hollywood. El productor, David O.Selnick, decidió despedirlo.

La venganza de George Cukor fue la película Mujeres (1939) protagonizada por Norma Shearer, Joan Crawford, Paulette Goddard y Rosalind Rusell. La película no contiene a ningún hombre en el reparto.

Nominado en cinco ocasiones al Premio de la Academia, recibió el Oscar al Mejor Director por el musical My fair lady (1964) protagonizado por Audrey Hepburn y Rex Harrison.

Katherine Hepburn, la actriz con más Oscar en su carrera. Cuenta con nada menos que cuatro Oscar por sus interpretaciones en: Gloria de un día (1933), Adivina quién viene esta noche (1967), El león en invierno (1968) y En el estanque dorado (1981).

Ganadora de tres BAFTA por su interpretación en las tres últimas películas mencionadas arriba, del Premio a la Mejor Actriz del Festival de Cine de Venecia por Mujercitas (1934), Palma de Oro en Cannes por Larga jornada hacia la noche (1962). Además es considerada por el American Film Institute (AFI) como la mejor actriz femenina de todos los tiempos, seguida por Bette Davis (2ª) y Audrey Hepburn (3ª). Pocos premios se le resisten a este mito del séptimo arte.

Sólo es superada en número de nominaciones por Meryl Streep con 17 nominaciones, pero Katharine Hepburn consiguió todas sus candidaturas como Actriz principal y Meryl Streep tiene algunas como Actriz secundaria.

Es la actriz que más Oscar tiene (4), seguida por Meryl Streep, Ingrid Bergman, Jack Nicholson y Walter Brennan. Nunca fue a recoger un Oscar y donó los cuatro al Empire State Building, ya que decía que si no iba a recogerlos, tampoco merecía tenerlos.

Sólo acudió a la ceremonia de los Oscar en el año 1974, para entregar el premio a un amigo suyo, y acudió al evento en pijama como protesta por la banalidad de los premios.

En 1942 protagoniza junto a Spencer Tracy, el que sería el gran amor de su vida, La mujer del año. La pareja Spencer-Hepburn estaría unida hasta la muerte del actor en 1967. Su compañero sentimental fue el que la acompañó en las películas protagonizando nada menos que nueve películas.

En 1942, Spencer Tracy ya era alcohólico y diabético mientras que a Katharine Hepburn le atraín más las mujeres. Tracy prefirió la infidelidad al divorcio debido a su catolicismo férreo. Siguió casado con su mujer, con quien tuvo dos hijos, mientras mantenía su relación con Katharine. La pareja Tracy-Hepburn, no tuvieron hijos.

Cary Grant es el segundo actor que cuenta con este honor, trabajando con la pelirroja en cuatro películas.

Katharine Hepburn representó en la pantalla a una mujer independiente y adelantada a su tiempo, un papel para el que no tuvo que fingir, pues se acercaba mucho a su personalidad real. Caracterizada por llevar siempre pantalones, en una entrevista Barbara Walters le preguntó: ¿Cuándo va a llevar usted faldas? A lo que Kate le contestó: el día de tu funeral.

Catalogada como “veneno para la taquilla” por sus fracasos cinematográficos de finales de los años 30, sacó su genio y ante este contratiempo, no se acobardó.

Con el dinero de su amante, el millonario Howard Hughes, compró los derechos de una obra de teatro que aún estaba en fase de escritura y abandonó aquel Hollywood que la había despreciado y minusvalorado.

Durante año y medio llenó cada noche aquel teatro de Broadway dónde se representaba Historias de Filadelfia. Katharine, ocultó en todo momento que era ella la productora y dueña de los derechos, y se sentó a esperar a que los grandes magnates de aquel Hollywood clásico llamasen a su puerta.

Louis B.Mayer fue quien compró los derechos de la obra tras unas duras negociaciones con la pelirroja. Katharine solicitó que George Cukor (el director que la había descubierto) fuese el director de la película y que los protagonistas masculinos fuesen: Spencer Tracy y Clark Gable. Ambos actores se negaron y el productor hizo una oferta a Katharine: James Stewart en uno de los papeles protagonistas y 150.000$ para contratar a algún actor, el elegido fue Cary Grant.

Cary Grant trabajó durante tres semanas y donó su sueldo a una asociación benéfica. James Stewart consiguió el Oscar por su interpretación como periodista y la gran Katharine Hepburn, volvió por la puerta grande a aquel Hollywood que la había despreciado.

Cary Grant y James Stewart son los protagonistas masculinos.

Argumento:

Tracy Lord (Katharine Hepburn) hija de una de las familias más ricas de Filadelfia, prepara en su mansión todo lo necesario para una boda perfecta con su novio millonario.

Toda la prensa quiere estar informada del enlace la mayor de los Lord. El exnovio de Tracy, C.K Dexter Haven (Cary Grant), se pondrá en contacto con una agencia de periodistas para que entren en la mansión y puedan informar a toda la población.

Macauley Connor (James Stewart) junto a su compañera periodista serán los encargados de infiltrarse en la boda haciéndose pasar por amigos del hermano de Tracy.

Curiosidades:

La película fue rodada en ocho semanas con una sola toma para cada escena. La única escena que se tuvo que repetir es la conversación entre Cary Grant y James Stewart. Stewart tenía que interpretar a un personaje borracho por la fiesta así que improvisó tener hipo. Eso no estaba en el guion y Cary Grant tuvo que retener la risa. Al final se precisaron dos tomas para rodarlo y podemos ver (en la versión final) como Cary Grant mira al suelo y sonríe, aguantando la risa.

James Stewart no tenía pensado ir a la Ceremonia de los Oscar pero justo antes de que el evento comenzase, recibió una llamada que le aconsejara que asistiera. James Stewart se puso su smoking y ganó el Premio de la Academia por su actuación.

James Stewart siempre pensó que no se merecía el Oscar. Creía que la estatuilla debía ir a parar a las manos de Henry Fonda por su papel en Las uvas de la ira (1940). El actor creyó que fue un premio por no haberse llevado el merecido Oscar por El señor Smith va a Washington (1939).

Cary Grant donó su salario de 100.000$ (una cantidad estratosférica en aquellos momentos) al Fondo de Socorro de Guerra Británico.

Cuando Katharine hace un salto perfecto en el trampolín y se zambulle en la piscina, es la verdadera Katharine. No necesitó ninguna doble.

Cary Grant tuvo la oportunidad de escoger que papel interpretar si el de ex o el de periodista. Curiosamente, cogió el primero, el menos vistoso.

La película está catalogada como la quinta Mejor comedia de un total de diez según el AFI.


La película ocupa el puesto 44 de las 100 mejores película de todos los tiempos según el AFI.

La última escena de la película es una de las más conocidas en el mundo del cine.

Frase de la película:

"Yo creía que todos los escritores bebían en exceso y pegaban a sus mujeres. ¿Sabe? Una vez deseé, en secreto, ser escritor."

Cary Grant en Historias de Filadelfia.

El prisionero de la Segunda Avenida (1975)

The prisioner of Second Avenue es una película de 1975 dirigida por Melvin Frank y protagonizada por Jack Lemmon y Anne Bancroft.

Se trata de la adaptación cinematográfica de la obra homónima de Broadway escrita en 1971 por Neil Simon. La obra fue representada 798 veces y en 1972, fue nominada al Tony en la categoría de Mejor Obra.

Neil Simon es un escritor, productor y guionista estadounidense. Es uno de los creadores más rentables de la historia de Broadway y sus obras han sido traducidas a decenas de idiomas.

Melvin Frank fue un escritor, guionista y director estadounidense que colaboró durante tres décadas con su compañera y amiga de instituto, Norman Panama.

Aunque no es un director de prestigio internacional o reconocimientos, ha dirigido a actores como Rock Hudson y Gina Lollobrigida en Habitación para dos (1965).

La pareja protagonista, los oscarizados, Jack Lemmon y Anne Bancroft son un acierto y dotan a esta película con momentos cómicos y graciosos.

Ya hemos hablado en este blog de la eterna Señora Robinson de El graduado (1967) y del eterno C.C Baxter de El apartamento (1960) (hablamos de Jack Lemmon en Días de vino y rosas (1962)). Estos dos genios de la interpretación se unen en esta película para hacernos pasar un buen rato.

La película no fue nominada a ningún Premio de la Academia ya que 1975 fue el año de películas como: Alguien voló sobre el nido del cuco de Milos Forman, Barry Lyndon de Stanley Kubrik, Tarde de perros de Sidney Lumet o Tiburón de Steven Spielberg. Los actores tampoco consiguieron ninguna nominación, los Oscar para la Mejor interpretación fueron para Jack Nicholson y Louise Fletcher, ambas por Alguien voló sobre el nido del cuco (1975).

Argumento:

Mel Edison (Jack Lemmon) vive con su esposa Edna (Anne Bancroft) en un edificio de la Segunda Avenida en Nueva York. La vida del matrimonio parece tranquila y feliz, Mel tiene un trabajo fijo y las hijas están estudiando en la universidad.

En el trabajo de Mel están haciendo recortes en la plantilla y un día es despedido de su trabajo. Cuando cree que su vida no puede ir a peor descubre que han robado en su casa. En ese momento, Mel comienza a sufrir una depresión.

Edna lo apoya para que busque trabajo y recupera su antiguo empleo para no perder su tren de vida. Mel se verá cada vez más agobiado por la falta de empleo, la familia y sobre todo, los vecinos de arriba.

Curiosidades:

Florence Stanley vuelve a interpretar, como ya había hecho en Broadway, a la hermana de Jack Lemmon.

Sylvester Stallone aparece en la cinta durante unos minutos. Es el presunto ladrón de la cartera de Jack Lemmon. Se trata de una de sus primeras interpretaciones, cuando todavía no era famoso.

F.Murray Abrahm aparece durante los primeros minutos de la película. Es el taxista que lleva a Jack Lemmon al trabajo.

Cuando la película lleva transcurrida 1:12:25 se produce un gazapo. Los brazos del hermano de Jack Lemmon se encuentran en sus rodillas y en la toma siguiente sus brazos han cambiado de posición y se encuentran apoyados en los brazos de la silla.

Frase de la película:

“¿Vas a poner orden por la policía, por si acaso ponen en sus archivos: mala ama de casa?”

Jack Lemmon en El prisionero de la Segunda Avenida.

Annie Hall (1977)

Annie Hall es una película de 1977 dirigida por Woody Allen y protagonizada por Diane Keaton y el propio Woody Allen. La película fue nominada a cinco Premios de la Academia consiguiendo cuatro de ellos en las categorías de: Mejor película, Mejor director, Mejor actriz principal y Mejor guión original.

La película tuvo que competir con La guerra de las galaxias. Episodio IV: Una nueva amenaza de George Lucas, Paso decisivo protagonizada por Shirley MacLaine y Anne Bancroft (Ambas películas fueron nominadas a onces estatuillas cada una) y Julia de Fred Zinnemann.

La gran vencedora de la noche fue La guerra de las galaxias llevándose la friolera de siete estatuillas. Seguida por Annie Hall y sus cuatro Oscar.

La película ganó cuatro BAFTA en las categorías de Mejor Película, Mejor director, Mejor guion y Mejor actriz, y es considerada por el círculo de críticos de Nueva York cómo la mejor película del año 1977.

Según el American Film Institute (AFI), entidad cinematográfica que persigue la conservación del cine y el homenaje a este, Annie Hall ocupa el puesto número treinta y cinco de las mejores películas de todos los tiempos, el cuarto lugar en comedias y el segundo lugar en comedia romántica superada por Luces de la ciudad de Chaplin. La canción “seems like old times” interpretada por Diane Keaton ocupa el puesto 90 de las 100 mejores canciones de películas.

Woody Allen es un director, guionista, actor, músico y escritor estadounidense ganador del Premio de la Academia en cuatro ocasiones por: Annie Hall (1977) como Mejor director y Mejor guion original, Hannah y sus hermanas (1986) como Mejor guion original y Medianoche en París (2011) también en la categoría de Mejor guion original.

Ganador de ocho premios BAFTA por: Annie hall (1977), Manhattan (1978), Hannah y sus hermanas (1986), Brodway Danny Roose (1984), La rosa púrpura de El Cairo (1985) y Maridos y mujeres (1992).

Ganador en el 2004 del Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián por su trayectoria profesional, del Goya por Match Point en 2006 en la categoría de Mejor Película Extranjera, del César en dos ocasiones por: Manhattan (1980) y La rosa púrpura de El Cairo (1985) y de El Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2002 por su “aportación relevante al patrimonio cultural de la Humanidad”, pocos premios se le resisten a este director considerado como genio por la crítica a la altura de Billy Wilder, Ingmar Bergman, Ernst Lubitsch, Otto Preminger o Jean-Luc Godard.

Además, posee una estatua en Oviedo (Asturias) debido a las numerosas visitas del cineasta.

Nacido como Allan Stewart Königsberg en el barrio neoyorkino de Brooklyn, Allen proviene de una familia judía de ascendencia rusa-austriaca. Hasta los ocho años estudió en una escuela hebrea, a partir de esa edad comienza a ir a la escuela pública. Durante su infancia aprendió a tocar el violín y más tarde el clarinete, instrumento que toca en conciertos junto a su banda de jazz. Este interés y estudio de la música le ha servido para elegir las bandas sonoras de sus películas.

Debido a que sus padres trabajaban, Allen fue criado por niñeras. A partir del cambio de la escuela hebrea a la pública, Woody Allen, se vuelve un chico tímido e introvertido. Hecho que no cambiaría al empezar la enseñanza secundaria. De esta etapa comenta: "Yo no quería ser Bogart, tampoco John Wayne. Yo sólo quería ser el capullo de la clase, quería ser ese chico con gafas que nunca consigue a la chica, pero que es divertido cae bien a todo el mundo"

Comenzó como humorista a la edad de 16 años. Con 17 años recibió un Premio por su habilidad y adoptó el pseudónimo con el que hoy lo conocemos: Woody Allen.

En 1952, mientras terminaba la secundaria decidió enviar chistes de su colección a los periódicos de la ciudad para darse a conocer. Con 17 años ya era conocido por sus chistes.

A finales de 1953 ingresó en la Universidad de Nueva York pero la carrera (relacionada con el mundo del cine) no le interesó mucho. Él prefería asistir a las proyecciones que se emitían en algunas asignaturas. Dejó la universidad en el segundo trimestre con unas calificaciones pésimas.

Su primer contrato lo firma en 1955 al participar en el programa The Colgate Happy Hour, donde ganaba 175$ semanales. A partir de ese momento comenzó a aparecer con más frecuencias en programas de televisión hasta que en 1960 le proponen ser  guionista y actor en ¿Qué tal, Pussycat? (1965). Así comienza su carrera.

Desde 1997 mantiene una relación sentimental con Soon-Yi Previn, hija de adoptiva de la actriz Mia Farrow (La semilla del diablo (1968)) y el compositor André Previn (BSO Irma la dulce (1963)). Mia Farrow además de casarse con Frank Sinatra y André Previn, mantuvo una relación con Woody Allen sin llegar a casarse de la que nació su hijo, Satchel. Además adoptaron dos hijos.

La pareja se separó después de que Mia Farrow encontrase en la cama a Soon-Yi y Woody Allen. A partir de ese momento empieza una batalla legal por la custodia de los hijos. Mia Farrow acusó al cineasta de abusar sexualmente de una de las hijas adoptivas de la pareja, que entonces tenía siete años. Allen negó esta afirmación y un médico que evaluó el testimonios de Dylan alegó: “o bien Dylan inventó la historia debido al estrés al que se vio sometida por estar viviendo en un hogar volátil y no sano, o bien la historia había sido plantada en su cabeza por Farrow, debido a que la niña presentaba la historia de forma inconsistente”.

Los cargos fueron retirados pero Farrow consiguió la custodia de los hijos.

Diane Hall (comparte apellido con la protagonista de la película) conocida artísticamente como Dian Keaton es una actriz, directora y productora estadounidense ganadora del Premio de la Academia como Mejor actriz por su interpretación de Annie Hall en la película homónima (1977). Ganadora de dos Globos de Oro poen la categoría de Mejor Actiz de Comedia por Annie Hall (1977) y Cuando menos te lo esperas (2004), y ganadora del BAFTA a la Mejor Actriz por su interpretación en Annie Hall (¡977).

La actriz ha declarado que ella está “hecha a la medida para la comedia” y junto a su admirada Katharine Hepburn y Faye Dunaway, es la actriz con más películas en la lista de las 100 mejores del AFI.

Keaton es la mayor de cinco hermanos, su padre era ingeniero civil que provenía de un entorno católico americano-irlandés y su madre era ama de casa y aficionada a la fotografía que provenía de una familia metodista. Al igual que su madre, Keaton, fue educada como metodista y en una entrevista confesó: "Siempre fui muy religiosa cuando era una niña... Estaba interesada principalmente en la religión porque quería ir al cielo". También  ha declarado que se considera agnóstica y en una entrevista concedida en 2002 declaró que fue atea durante un momento de su vida. Woody Allen dijo en una ocasión: "Cree en Dios pero también cree que la radio funciona porque tiene pequeñas personas dentro."

Su interés por el mundo de la interpretación empieza a raíz de presenciar cómo su madre se hacía con el premio del concurso para amas de casa “Sra. Los Ángeles”. La teatralidad del evento influyó ene ella y su admiración hacía Katharine Hepburn por interpretar a mujeres fuertes e independientes inspiró a una joven Keaton para convertirse en actriz.

En 1964 se gradua en el instituto de educación secundaria de Santa Ana en California. Allí participó en clubs canto e interpretación, donde interpretó a Blanche Dubois en una producción teatral escolar de la obra del dramaturgo Tennessee Williams, Un tranvía llamado deseo.

Recordemos que esta obra fue llevada al cine en 1951 de la mano de Elia Kazan e interpretada por Marlon Brando y Vivien Leigh (Blanche Dubois) en los papeles principales.

Después de graduarse asistió a la universidad para cursar drama. Al cabo de un año deja la universidad para abrirse  un hueco en el mundo de la interpretación en Manhattan. Así que ingresa en el Actor’s Equity Association donde toma el apellido de soltera de su madre, Keaton, debido a que ya había una Diane Hall registrada.

Sus estudios los compaginó con un trabajo eventual como cantante en los nightclubs, como evocaría en Annie Hall (1977). También estudió bajó la técnica de Meisner (técnica de interpretación muy popular durante los años 20 ideada por Stanford Meisner; de esta escuela salieron actores como: Gregory Peck, Grace Kelly o Jon Voight)

En 1968 se convierte en la suplente en la producción de Hair en Brodway done consiguió cierta fama al negarse al desvestirse en una escena, donde todos sus compañeros se desnudaban, aunque el desnudo era opcional. Como curiosidad los actores que se quitaran la ropa recibían 50$ como premio.

Después de nueve meses actuando en Hair, decide presentarse a la prueba de actores para la película Sueños de un seductor (1972). Aunque casi fue descartada debido a su altura (Diane Keaton mide 1,73 m, es decir, 5 cm más alta que Woody Allen) consiguió el puesto.

En 1971 llegaría su salto a la fama interpretando a la novia de Michael Corleone (Al Pacino) en El padrino (1972). 

Keaton fue la musa de Allen durante los primeros años de carrera de este, y juntos trabajaron en 8 películas: Sueños de un seductor (1972), El dormilón (1973), La última noche de Boris Grushenko (1975), Annie Hall (1977), Interiores (1978), Manhattan (1979), Días de radio (1987) (dónde Diane Keaton hace un cameo) y en Misterioso asesinato en Manhattan (1993).

Su romance más famoso fue con Woody Allen durante la década de los 70. Se conocieron durante Sueños de un seductor (1972)., Una noche cenaron juntos y Allen afirma que lo que le atrajo de ella fue su sentido del humor. Entre tanto, mantuvo también una relación sentimental con su compañero de reparto Al Pacino en El Padrino (1972). La relación fue intermitente y terminó tras la grabación de El Padrino II (1974). Al Pacino dijo en una ocasión: “Yo nunca me he casado pero debí hacerlo, por lo menos una vez…” refiriéndose a Diane Keaton. En una autobiografía publicada en 2011 por la actriz, afirma que presionó a Al Pacino para que se casase con ella ya que deseaba que él la quisiese tanto como ella a él. Tras rodar El padrino III (1990) la pareja se reconcilió y se llegó a decir que Keaton se había quedado embarazada del actor pero que había decidido abortar.

También mantuvo una relación sentimental con Warren Beatty cuando su relación con Allen empezaba a flaquear. Durante ese tiempo fue frecuente encontrar a la pareja Beatty-Keaton en las revistas de chismorreos.

En su autobiografía reconoce que fue bulímica durante años, que sigue queriendo a Woody Allen y que los mejores besos son los de Jack Nicholson. Ha declarado que se ha dado por vencida en la búsqueda del amor y ha declarado: "No creo que el no estar casada haya devaluado mi vida. El mito de la solterona es basura”.

Con 50 años decidió adoptador a sus dos hijos tras reflexionar sobre la mortalidad al perder a su padre. Ha declarado que:  "la maternidad me ha cambiado completamente. Es prácticamente la experiencia que me ha hecho más humilde."

Mantiene relaciones de amistad con: Meryl Streep, Woodu Allen, Robert De Niro, Robert Duval, Goldie Hawn, Warren Beatty, Madonna, Dustin Hoffman, Jack Nicholson o Walter Matthau. Sim embargo con Al pacino, su gran amor, no se habla.

Contraria a la cirugía estética, amante de la fotografía y la restauración de muebles y objetos, Keaton ha luchado sin éxito para salvar el Ambassador Hotel, lugar donde fue asesinado Robert Kennedy en 1968.

Annie Hall es una película con tintes autobiográficos de la relación sentimental entre Allen y Keaton. Allen basó el carácter de Annie en el Diane y también nos presentó una versión idealizada de ella. Curiosamente llamó a su personaje Annie, un diminutivo de Anne, nombre que está enclaustrado en el nombre de Diane (Di-Anne). Y la apellido Hall, el verdadero apellido de Diane Keaton.

Gracias a esta película, Diane Keaton llegó a ser un icono de la moda de finales de los años 70 por su peculiar y excéntrica forma de vestir. En la vida real, Keaton prefiere ropa masculina pasada de moda y en la película su estilo está presente de principio a fin. En el film la vemos llevando pantalones anchos de corte masculino, camisas, corbatas, chalecos y sombreros estilo fedora. La ropa era de su propiedad, por lo que no es de extrañar que fuese conocida años antes por su estilo de ropa varonil. Tras el estreno, el estilo “Annie Hall” se convirtió en un atuendo popular entre las mujeres.

Argumento:

Alvy Singer (Woody Allen), un tipo neurótico y maniático, trabaja como comediante en clubs nocturnos. Con 40 años, decide reflexionar sobre su vida y en especial sobre su relación con Annie Hall (Diane Keaton) preguntándose el porqué de la ruptura y si es el amor de su vida. Al final descubre que todas sus manías y preocupaciones son las que echan a perder todas sus relaciones.

Curiosidades:

En un principio la película iba a llamarse “Anhedonia” (inhabilidad de sentir placer); pero le cambió el nombre ya que no era suficientemente atractivo.

Es la película más taquillera y con mayores críticas de toda la filmografía de Woody Allen.

En un principio la película iba a hablar sobre un asesinato pero se decidió cambiar el argumento. Al final decidieron eliminar la trama e incluirla en la película de Woody Allen Misterioso asesinato en Manhattan (1981).

Dos de los directores de cine favoritos de Woody Allen son Ingmar Bergman y Federicco Fellini, ambos son nombrados en la película. Cuando Woody Allen espera a Diane Keaton en el cine, ambos van a ir a ver la nueva película del sueco, Cara a cara (1976). Aunque al final no van a verla.

Cuando deciden ir a otro cine, mientras esperan la cola, un señor que presume de sus conocimientos cinematográficos opina sobre la nueva película de Fellini. Se citan tres películas del italiano: La strada (1954), Giulietta de los espíritus (1965) y El satiricón (1969).

En la película aparecen saltos atemporales y cronológicos, una innovación para la época, propia de la “nouvelle vague” francesa.

Aparece un corto animado de Blanca Nieves y los siete enanitos, película preferida del Woody Allen niño.

Aparece Christopher Walken, que en 1978 saltaría a la fama por su papel en El cazador con Robert de Niro y Meryl Streep.

Aparece Paul Simon (del dúo Simon & Garfunkel) como el productor que invita a Annie Hall a ir a una fiesta en Los Ángeles.

Sigourney Weaveaparece al final de la película en frente de un cine junto a los protagonistas vestida con una gabardina beige. No se aprecia su cara pero su silueta de mujer alta no nos deja la menor duda de que se trata de ella. Además reconoció que fue ella quien le pidió ese pequeño papel a Woody Allen.

Frase de la película:

“No te metas con la masturbación es hacer el amor con alguien que amo”

Woody Allen en Annie Hall.